Julieta

084195Por: Noemi A. Marrero

El director español Pedro Almodóvar a lo largo de su carrera nos ha regalado una considerable obra cinematográfica, incursionando en varios géneros, algunos de sus filmes iniciales se podrían considerar como experimentos, los cuales le ayudaron a perfeccionar y a desarrollar su propio punto de vista cinematográfico, regalándonos sucesivamente piezas mas que sobresalientes y otras que podríamos considerar verdaderas obras maestras (La piel que habito, Hable con ella, Todo sobre mi madre) . Ha nadado en varias aguas, ha tocado lo grotesco, humor negro, lo dramático, dejando su impronta y saliendo en la mayoría de los casos a flote.

En este film el director nos trae un drama, en el que nuevamente toma como protagonista y punto focal un personaje femenino, para hacernos un retrato de diferentes etapas de la vida. Con Julieta, Almodóvar nos cuenta el desenfado,  la inconsciencia y la libertad de los años de juventud, la ilusión por descubrir el amor en diversas formas, el dolor que representa la perdida y el desprendimiento de lo que se ama, retrata perfectamente la negación a la perdida y como ello se convierte en un cumulo de peso que viene representado por las arrugas internas y externas que se le van acumulando al personaje principal a través de los años.

 Nos lleva de la mano con el personaje a través de su vida, que es una especie de libro de la vida y nos transporta, nos mueve a crecer y madurar con el personaje, sumergiéndonos en nuestros propios temores.

 En este film el director se hace acompañar de un impecable elenco, resaltando la interpretación de Adriana Ugarte y Emma Suarez, que interpretan a Julieta joven y madura. Ambas actrices calzan a la perfección en sus respectivos roles. Una Julieta joven con sueños, toda la vida por delante, aun no endurecida por los golpes de la vida, y otra Julieta mas mayor, consumida y bloqueada por las perdidas y situaciones no resueltas.

 Almodóvar nos regala una sublime poesía visual a través de la fotografía y paleta de colores presentes en el film, haciéndose ayudar de los mismos para transportar al espectador en el continuo cambio de épocas en que se desarrolla la historia.

Un film introspectivo que hace bailar los sentidos regalándonos una que otra emoción, nada es obvio, manteniendo al espectador a la expectativa, pero dejándote a mitad sin llevarte al clímax.

Puntuación: 3 1/2 de 5

 

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Youth ( La Juventud).-

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Después de la Grande Belleza (ganadora del Oscar como mejor película extranjera), el director italiano Paolo Sorrentino nos trae su segunda película en habla inglesa (después de la discutible “Must be the place” con Sean Penn), y la séptima en toda su trayectoria cinematográfica.

En esta película Sorrentino nos habla de una pareja de amigos de 80 años de edad, el director de orquesta en pensión Fred Ballinger (Interpretado por Michael Caine) y su viejo amigo director de cine en funciones Mick Boyle ( Interpretado por Harney Keitel), en el ámbito de unas vacaciones en los Alpes Suizos. Dichas vacaciones transcurren entre relax, caminatas, masajes, varios tratamientos reconstituyentes del cuerpo y largas conversaciones que se convierten en un viaje introspectivo y existencial, con frases hechas al mejor estilo de este director que ha tomado el existencialismo como tema focal en varios de sus trabajos cinematográficos.

La ambición mas grande de todo artista es encontrar su propia voz expresiva, el director Napolitano parece haber encontrado la suya, ya que sus películas están impregnadas de una particular e impecable fotografía, la cual conjuga con introspectivos diálogos filosóficos e imágenes que parecen un cuadro en movimiento.

En Youth (La juventud) el director pone en contraposición la vida de varios personajes, de varias edades, entre los que se encuentran estos amigos ochentones, la hija de uno de ellos ( interpretado por Rachel Wise), un actor en fase descendente (interpretado por Paul Dano), de varios personajes esporádicos representados por empleados y huéspedes de este hotel-centro benessere Suizo.

Podría parecer que Sorrentino nos quisiera contar la vejez y el ocaso de la vida a través de ella, en realidad el director quiere tocar el termine de la vida a través del ocaso del motor que nos impulsa a seguir en ella y de los mecanismos de sobrevivencia autoimpuestos que varían con la edad, tocando el punto de la vejez real y efectiva y aquella emocional y psicológica.

Michael Caine, Harvey Keitel nos regalan interpretaciones impecables, dignas de actores de su larga trayectoria, Paul Dano aceptable, Rachel Wise, en cambio no queda a la altura, ofreciéndonos una interpretación imperceptible de toda emoción.

El director como ya es su costumbre utiliza varios elementos a su disposición para transmitirnos su punto de vista, como en films anteriores, logra una perfecta danza sincronizada entre imágenes, música y diálogos profundos. No obstante la perfecta sincronización de elementos, el director tiende a exagerar con la implementación de estos recursos que a veces resultan excesivos  transportando al espectador, pero a mismo tiempo distrayéndolo , haciéndolo perder en ocasiones el hilo conductor de la trama.

Una inyección de existencialismo al cual hay que ir preparado para verlo con todos los sentidos y la mayor concentración posible.

Whiplash

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Mi Puntuación: 4 ½ de  5

En su segunda película el joven director neoyorquino Damien Chazelle, nos presenta un film inspirado en algunas de sus vivencias personales durante su época de estudiante de música. En este film nos cuenta la vida del joven y ambicioso Andrew Neiman, quien estudia la batería en el conservatorio de música Shaffer en New York, considerado uno de los mejores del país y su encuentro con un exigente profesor.

Andrew, interpretado por el actor Miles Teller, a sus 18 años, sueña con convertirse en el mejor baterista de todos los tiempos, quien para alcanzar sus objetivos se entrena fuertemente durante varias horas al día, incluso en horarios extracurriculares. Este, al igual que varios compañeros del conservatorio, espera y aspira a que uno de los mejores y rígidos directores de orquesta y profesor de la escuela lo elija como parte de su grupo.

Un día, mientras Andrew se entrena en solitario, el profesor Terrence Fletcher, interpretado por J.K Simmons, lo escucha tocar y días más tarde lo convoca para que forme parte de su grupo.

El joven estudiante siente rápidamente la rigidez del profesor y director Fletcher, quien lo empuja, exige perfección mas allá del limite de la propia capacidad, sin dejar cabida a las excusas ni al error. Su método poco ortodoxo busca sacar del baterista, algo mas allá que excelencia, busca supremacía en cada ejecución. Por otro lado, el joven baterista, movido por su pasión-ambición, se deja envolver por su mentor en una vorágine sobrehumana, renunciando, imponiéndose, exigiéndose, muchas veces infligiéndose y pasando sobre el dolor, el todo a fin de alcanzar su objetivo.

 En este drama musical, el director logra una extraordinaria simbiosis entre la música, una excelente fotografía, primeros planos e interpretaciones. Saca el máximo de sus protagonistas que nos regalan actuaciones impecables, extraordinarias, sin desperdicio, mas que creíbles, reales, sobre todo la del co-protagonista Simmons (ganador de un meritadísimo Oscar) que junto con las exquisitas piezas de jazz, logran emocionar al espectador, haciéndolo olvidar por completo el lugar donde se encuentra, transportándolo directamente al escenario en donde se desarrolla la historia y vivirla como si estuviera allí, dejándolo suspendido, sin aliento, arrastrado en gran parte por ella, la música.

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Relatos Salvajes

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Mi puntuación: 5 de 5

    Hoy en día se habla de inteligencia emocional, o de la capacidad de enfrentar los problemas y conflictos de una forma racional o equilibrada, ósea la inteligencia que nos separa del resto del mundo animal. Aunque se supone o se espera que la mayoría de seres humanos sea poseedor de esta capacidad de análisis y autocontrol, la realidad nos dice que muy a menudo mandamos de vacaciones dicha inteligencia, dejándonos envolver de la irracionalidad y la barbarie.

El director y guionista argentino Damián Szifron, toma la perdida de control, la barbarie y nuestros momentos de incivilidad si se quiere, y nos los presenta en un film divido en 6 historias en forma de corto.

Un hombre que decide vengarse de una manera surreal, de todos aquellos que a su modo de ver han ocasionado algún daño en su vida. Una camarera que se encuentra en la disyuntiva de enfrentar y vengarse de un cliente conocido en el pasado, que llega al restaurante donde trabaja. Dos conductores en una autopista desolada, que terminan peleando por el mas banal de los motivos. Un ingeniero que vive en ciudad, que va acumulando resentimiento en contra de las autoridades y las multas injustas que recibe. Un padre de una rica familia, que se encuentra con el dilema de salvar a su hijo de los problemas con la justicia, como consecuencia de un accidente por este provocado, en el cual ocasiono la muerte a una mujer embarazada. Y como ultima historia nos presenta un divertido matrimonio, que degenera de la forma mas disparatada e inesperada cuando la esposa se entera que el hombre con el que acaba de contraer matrimonio le fue infiel en precedencia con una de las invitadas.

     Szifron se burla de una forma absurda y exagerada de la perdida del control, se burla de si mismo y de nosotros como espectadores, que no obstante la absurdidad de las situaciones podemos vernos reflejados en alguna de ellas, logrando de una manera genial arrancarnos de principio a fin una sonrisa detrás de otra, sin soltarnos, sin dejarnos espacio para nada mas, toma las seis historias y las presenta de forma ascendente, alcanzando el clímax con el ultimo corto.

    Esta película de producción Española-Argentina, producida por los hermanos Almodóvar, es una joya de buen cine, trayéndonos el drama que representan los conflictos y presentándonoslo de una manera genialmente divertida a través de una serie de diálogos ligeros, pasajes de la vida cotidiana en Argentina, pero que en realidad se podría transportar en cualquier otro contexto o nación. El director se hace acompañar de una serie de actores igualmente geniales, que calzan a la perfección en cada personaje, logrando interpretaciones magistrales si caer en lo ridículo, tomándose muy en serio el personaje que deben interpretar, haciendo al espectador tomarlo igualmente en serio y hacerlo reír, no con muecas ni con diálogos ridículos, mas bien con situaciones sacadas de la vida de personas normales, logrando que nos sintamos espectadores y protagonistas, nos ridiculiza sin ofendernos mas bien sacando a luz nuestras debilidades y que hechos que nos podrían parecer increíbles e inimaginables, en el día día podrían dejar de ser tales.

 

The imitation game (Descifrando Enigma)

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Mi Puntuación: 3/5

El matemático, criptoanalista, científico Alan Turing (Interpretado por Benedict Cumbebatch), es convocado por el gobierno Britano, junto otros jóvenes criptógrafos del Reino Unido, en el marco de la segunda guerra mundial a fin de ayudar el servicio de inteligencia de dicho país a descifrar los códigos de la compleja maquina Alemana Enigma y evitar ataques sorpresas, en fin, ganar terreno con miras a ganar la guerra.

Turing, es un joven ermitaño, con fuertes problemas para sociabilizar con los demás, situación que le dificulta en cierta medida el trabajo por el cual es convocado, ya que el mismo debe ser desarrollado en equipo, porque dicho trabajo representa una carrera contra el tiempo ya que cada dia en un lapso de 24 horas deben tratar de descifrar la mayor cantidad de códigos posibles.

 Turing rápidamente se da cuenta que el trabajo de descifrar miles y miles de códigos de una maquina casi perfecta como la Enigma es una tarea sumamente difícil de realizar, por lo que le viene en mente el desarrollo de una maquina que sea capaz de descifrar códigos a un nivel superior a la capacidad humana. Para el desarrollo de esta maquina deberá convencer a autoridades de alto nivel gubernamental y hacer una carrera contra el tiempo para terminar dicho proyecto y hacer que la maquina funcione y alcanzar los objetivos.

En este film biográfico, el director Noruego Morten Tyldum, nos cuenta parte de la historia de Alan Turing y de los acontecimientos que dieron paso al nacimiento de la primera computadora.

En esta película el director, toma al espectador de principio a fin sumergiéndolo en la trama, haciéndolo vivir casi en primera persona el ansia y la tensión que viven los principales personajes. Ayudado de la extraordinaria, impecable y convincente interpretación del protagonista (Cumbebatch), digna de cualquier premio. La película cuenta con una excelente fotografía, vestuario, secuencia y guión, que encajan a la perfección como partes de un rompecabezas, regalando al espectador una mas que placentera pieza de buen cine.

 

François Truffaut: De Cinéfilo a gran director

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 A 30 años de su desaparición física, el gran director francés sigue mas presente que nunca en el mundo de los amantes del buen cine de autor. Truffaut, conocido como el padre de la Nouvelle Vague, fue uno de los mejores directores de su época. Parisino, hijo de una empleada de diario y padre biológico desconocido, fue adoptado por Roland Truffaut, a quien le debe su apellido.

Trauffaut vivió toda su infancia con los abuelos maternos y el aparente rechazo de sus padres lo marcaron grandemente. El entorno familiar desfavorable hizo que se refugiara en la lectura de relatos y novelas, lo que despertó su fantasía; que luego se volcó en un grande pasión por el cine, llevándolo a pasar mucho tiempo en las salas, descuidando otras obligaciones entre ellas la escuela.

 Una vez terminada la escuela, se dedicó  a realizar pequeños trabajos que lo ayudaron a subsistir y en el 1947 fundó un cineclub que no pudo mantener por mucho tiempo. Por dicho cine club pasaron obras de grandes directores como: Jean Renoir, Roberto Rossellini, Alfred Hichcock, Jean Vigo, Orson Welles y otros que admiró y reconoció como influencias en su obra posterior.

 El primer contacto con la filmación la tuvo con la realización de un corto ” Une visite” (1955), de ocho minutos de duración filmado con amigos, pero su primera gran película fue “Los cuatrocientos golpes”. A esta le siguieron grandes obras como “Disparen sobre el pianista”, con Charles Aznavour, y sobre todo “Jules y Jim”, esta última una  obra maestra del cine de todos los tiempos; con la que personalmente empecé  a conocer y admirar la obra de este director.

Ver: (https://eltinterodenoe.wordpress.com/2013/09/08/cine-jules-y-jim/)

Hoy en día podemos apreciar algunos remakes como el Pecado Original, tomada de la película Mississipi Mermaid (Mi Droga se llama Julie) del 1969; ejemplo de gran ingenio, sensibilidad y trascendencia de este gran amante del cine y que mejor homenaje que dejarles una lista de sus 10 mejores películas:

1.- Jules e Jim  (Jules y Jim, 1962 )

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2.- Les Quatre cents golpes  (Los 400 golpes, 1959)

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  1. La Nuit américaine (La noche americana, 1973)

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  1. Baisers Voles (Besos robados, 1968)

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  1. Tirez sur le pianista (Dispara al pianista, 1960)

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  1. L’Enfant sauvage  (El niño Salvaje, 1970)

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  1. Les Deux et le Anglaises continente  (Dos muchachas inglesas, 1971)

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  1. La Peau Douce (La piel suave, 1964)

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  1. La Chambre verte   (La Habitacion verde, 1978)

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10. Vivement Dimanche! (Último Domingo, 1983)

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Alabama Monroe ( The Broken Circle Breakdown)

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 ¿Un cowboy cantante de música country en Bélgica? El director y guionista belga Felix Van Groeningen, lo hace posible y nos lo propone a través esta historia de amor,  “The Broken Circle Breakdown”  (candidata a mejor película extranjera en la pasada edición de los premios Oscars y gran favorita junto a la Grande Bellezza).

Dieder( interpretado por el actor belga Johan Heldenbergh) siente una gran pasión por la  música bluegrass y profunda admiración por los Estados Unidos (de donde proviene esta música) porque cree que  es una tierra que ofrece infinitas oportunidades. Elise ( interpretado por la actriz belga Veerle Baetens) administra un negocio de  tatuajes, de los cuales es apasionada y posee varios en el cuerpo, que simbolizan momentos profundos y trascendentales de su vida.

Dieder y Elise viven una intensa historia de amor que combinan con el amor a la música que Dieder logra transmitir a Elise, a la cual integra como cantante en el grupo musical del cual es el líder. Muy pronto  a la vida de ambos se agrega la llegada de una niña ( Maybelle) que alegra aún mas sus vidas y al mismo tiempo (debido a acontecimientos sucesivos a su nacimiento) meterá en discusión sus propias convicciones, filosofías de vida y  amor.

El director, a través de esta historia que aparentemente nos quiere hablar tan solo del amor, nos va desvelando sus verdaderas intensiones, nos muestra un film sumamente político que va contra corriente del sistema preestablecido, pone en evidencia uno de los grandes temores humanos como es la perdida, de como algunos hombres la han tratado de erradicar a través del camino espiritual y de conformidad que brinda la religión; igualmente pone en relieve (sin ninguna intensión de parecer sutil), como las religiones han penetrado la esfera política y la ciencia, obstaculizando avances científicos y sociales.

Van Groeningen, en esta tocante e intensa película, ayudado de una hermosa fotografía,   una  commovente banda sonora y sobresalientes interpretaciones, nos muestra las múltiples caras del amor, la pasión,  las pruebas a las que el mismo viene sometido, pone de manifiesto (como ya mencionamos), elementos políticos y religiosos de una forma muy inteligente, proponiendo situaciones que en cierto modo quieren imponer el punto de vista del director, invitando al mismo tiempo a  reflexionar acerca de diferentes elementos de la vida, del si existe una fuente real y efectiva para aliviar los temores, se pregunta y nos hace preguntarnos de si al brindarnos  mas fortaleza sea la plena conciencia de lo real o la ilusión de lo intangible. Película  profunda que en cierta medida te querrá dar respuestas, pero que al mismo tiempo te hará reflexionar  y  hacerte varias preguntas.

Mi Puntuación:  3  /5